Der Astronaut – Project Hail Mary

Science, Comedy und ein bisschen Pathos

Phil Lord und Chris Miller transformieren Andy Weirs Bestseller zu einem großen Science-Fiction-Abenteuer – irgendwo zwischen kosmischer Robinsonade und heiterem Familienfilm

Es beginnt mit einem der ältesten Motive der Literatur überhaupt: Ein Mensch erwacht allein, abge­schnitten von der Welt, gezwungen, aus dem Nichts heraus zu verstehen, wo er ist, wer er ist und was er tun muss, um zu überleben. In Der Astronaut – Project Hail Mary öffnet Ryland Grace – gespielt von Ryan Gosling – die Augen und findet sich nicht auf einer Insel wieder, sondern auf einem Raum­schiff irgendwo im Tau-Ceti-System, Licht­jahre von der Erde entfernt, ohne Erin­ne­rung, ohne Kontext, mit zwei toten Crew­mit­glie­dern an seiner Seite und nur einer vagen Ahnung davon, dass seine Existenz etwas mit dem möglichen Ende der Mensch­heit zu tun haben könnte.

Damit setzt der Film ein Narrativ fort, das seit Daniel Defoes 1719 erschie­nenen Robinson Crusoe bestens funk­tio­niert hat: die Robin­so­nade, jene lite­ra­ri­sche Versuchs­an­ord­nung, in der der Mensch auf sich selbst zurück­ge­worfen wird und in der sich zeigt, dass Zivi­li­sa­tion letztlich nur eine fragile Schicht ist, die sich jederzeit wieder neu erfinden muss. Andy Weirs Roman Project Hail Mary ist genau eine solche Robin­so­nade, nur dass die Insel hier inter­stellar ist und die Werkzeuge nicht Axt und Segel, sondern Mole­ku­lar­bio­logie, Mathe­matik, Physik und Geduld heißen. Dass ausge­rechnet dieser Stoff schon verkauft wurde, bevor das Buch überhaupt erschienen war – Metro-Goldwyn-Mayer sicherte sich die Rechte mehr als ein Jahr vor Veröf­fent­li­chung und zahlte dafür einen sieben­stel­ligen Betrag – erzählt nebenbei eine zweite Geschichte: Die Rettung der Welt ist einmal mehr ein zentrales Narrativ unserer Gegenwart geworden, eine Fantasie, die Hollywood und Literatur glei­cher­maßen beschäf­tigt, viel­leicht weil wir seit Jahren das diffuse Gefühl haben, genau damit beschäf­tigt zu sein – mit dem Versuch, eine Welt zu retten, deren Zerfall nicht nur durch die Zers­törung unserer Umwelt, sondern auch politisch längst begonnen hat.

Der Roman von Andy Weir wurde 2021 sofort ein Best­seller und knüpfte an seinen Erfolg von Der Marsianer – Rettet Mark Watney an, mit dessen Verfil­mung Ridley Scott zeigte, dass Science Fiction auch im Block­bus­ter­kino ein Genre wissen­schaft­li­chen Denkens sein kann. In Scotts Film – so wie in Weirs lite­ra­ri­scher Vorlage – war der Weltraum eine radikale Versuchs­an­ord­nung: Der Mensch ist allein, und wenn er überlebt, dann nur, weil er versteht, rechnet, expe­ri­men­tiert, irrt, neu beginnt. Ein Universum, das fast an die nüchterne Science Fiction von Stanisław Lem erinnerte, an jene Geschichten um Kommander Pirx und ein gott­ver­las­senes Weltall, in dem allein Erkenntnis die eigent­liche Heldentat ist.
Zwar ist auch The Martian eine Robin­so­nade, aber Der Astronaut – Project Hail Mary ist es noch einmal mehr, steht doch hier nicht nur das Indi­vi­duum auf dem Prüfstand, sondern die ganze Mensch­heit. Viel­leicht geht auch deswegen die Verfil­mung von Phil Lord und Chris Miller, einem Regieduo, das mit The Lego Movie und Spider-Man: Into the Spider-Verse bewiesen hat, dass sie Popkultur und Erzähl­rhythmus virtuos beherr­schen, einen anderen Weg als ihn Ridley Scott gegangen ist. Denn statt einer in der lite­ra­ri­schen Vorlage durchaus ange­legten kosmi­schen Tragödie wird hier ein Aben­teu­er­film insze­niert mit immer wieder deftigen komö­di­an­ti­schen Einlagen, die an Vorgänger wie die Guardians of the Galaxy Filme des Marvel Cinematic Universe erinnern. Und stel­len­weise ist es dann fast ein Science-Fiction-Fami­li­en­film­spek­takel, das näher bei Steven Spiel­bergs E.T. – Der Außer­ir­di­sche verortet ist als bei Chris­to­pher Nolans Inter­stellar, obwohl die Ausgangs­lage – eine Mission zur Rettung der Erde – durchaus den Stoff für eine exis­ten­zi­elle Reflexion unserer Gegenwart im Stil von Chris­to­pher Nolan geboten hätte.

Viel­leicht liegt genau hier die erste Irri­ta­tion dieser Verfil­mung. Weirs Roman lebt von Details: von Expe­ri­menten, Gedan­ken­gängen, tech­ni­schen Monologen, Sack­gassen und von der fast kind­li­chen Freude daran, die Welt zu verstehen. Viele dieser Momente fehlen oder erscheinen nur noch als schnelle Andeutung. Das Drehbuch von Drew Goddard, der bereits Weirs Marsianer adaptiert hatte, scheint sich häufig dafür zu entscheiden, Ereignisse eher zu referieren als auszuspielen. Szenen, die im Buch ganze Kapitel füllen, erscheinen im Film manchmal wie Zusammenfassungen, so als hätte jemand Angst, dass dem Publikum Geduld oder Konzentration fehlen könnten. Das Narrativ wirkt dadurch immer wieder ein extrem beschleunigt, fast wie eine Inhaltsangabe eines viel reicheren Textes – und doch funktioniert auch dieser Weg, bleibt der Film merkwürdigerweise spannend.

Viel­leicht liegt das dann an den atmo­sphäri­schen Entschei­dungen, etwa bei der Musik. Der Film greift über­ra­schend auf Stücke wie Pata Pata von Miriam Makeba zurück oder – als kleine ironische Reverenz an den Roman – auf Two of Us der Beatles, obwohl die Beatles im Buch eine erheblich stärkere Präsenz habe. Und dann gibt es die wunder­bare, impro­vi­sierte Karaoke-Szene, in der Sandra Hüller Harry Styles’ Sign of the Times inter­pre­tiert und über dessen Entste­hung Ryan Gosling und Sandra Hüller in einem Behind-the-Scenes-Interview mit viel Spaß berichten – eine Szene, die sich weit vom Buch entfernt und doch zu den schönsten Momenten des Films gehört, viel­leicht gerade deshalb, weil sie für einen Augen­blick das Erzählen anhält und den Figuren erlaubt, einfach nur da zu sein. Und zu der auch gehört, dass mit ironi­schem Witz auch Hüllers DDR-Sozia­li­sie­rung einge­bettet wird. Doch nicht alles, was Musik ist, ist hier gut. Denn weitaus weniger über­zeu­gend wirkt das pathe­ti­sche orches­trale Score, das zu viele Szenen emotional totkom­men­tiert. Die Regis­seure scheinen ihrem Material nicht ganz zu trauen und ersetzen die stille Spannung wissen­schaft­li­cher Neugier durch musi­ka­li­sche Dring­lich­keit und pompöses Blabla.

Ähnlich ambi­va­lent wirkt die Besetzung von Eva Stratt durch Sandra Hüller. Es gibt Szenen, in denen Hüller großartig ist, etwa in der schon erwähnten Karaoke-Szene oder in der Ausübung ihres eigent­li­chen Charak­ters als Krisen­ma­na­gerin der ganzen Welt: präzise, trocken, fast humorlos. Dennoch ist sie hier nicht die komplexe, „harte“ Sandra Hüller, die sie in so vielen anderen Rollen hat sein dürfen, man denke an The Zone of Interest, Anatomie eines Falls oder ihre Rolle in Rose, für den sie auf der dies­jäh­rigen Berlinale mit dem silbernen Bären ausge­zeichnet wurde. In Der Astronaut – Project Hail Mary wirkt sie über­ra­schend weich­ge­zeichnet und immer wieder etwas fehl am Platz, kommen einem viel­leicht passen­dere Alter­na­tiv­be­set­zungen wie Cate Blanchett, Jodie Foster Charlotte Rampling in den Sinn. Die Figur im Roman ist eine radikal funk­tio­nale Tech­no­kratin, jemand, der mora­li­sche Komple­xität gerade durch wissen­schaft­liche Klarheit erzeugt. Der Film versucht, ihr zusätz­liche Facetten zu geben, doch das Ergebnis bleibt vage und irritiert immer wieder, auch inhalt­lich. In einer Szene fragt Grace sie, ob sie an Gott glaube. Ihre Antwort: „Ist besser als das Gegenteil.“ Dieser Satz wirkt seltsam fremd im Universum von Andy Weir, dessen Romane gerade zeigen, dass mensch­liche Erkenntnis auch ohne meta­phy­si­sche Instanzen funk­tio­nieren kann. Viel­leicht ist diese kleine Verschie­bung auch ein Kommentar zur Gegenwart, in der religiöse Narrative wieder stärker in öffent­liche Debatten hinein­wirken, viel­leicht ist es aber auch nur eine drama­tur­gi­sche Absi­che­rung.

Und doch bleibt eine der zentralen Ideen des Romans erhalten: die Begegnung mit dem Außer­ir­di­schen Rocky – der dieser Robin­so­nade damit auch ihren „Freitag“ beschert und sie komplet­tiert – die im Buch eine faszi­nie­rende Studie über Kommu­ni­ka­tion ist, über das langsame Lernen einer fremden Sprache, über den Versuch, eine Brücke zwischen völlig unter­schied­li­chen Denk­weisen zu bauen. Auch hier verkürzt der Film vieles, aber er verliert den Kern dieser Idee nicht ganz.

Viel­leicht lässt sich die filmische Adaption von Der Astronaut – Project Hail Mary deshalb am besten als Gegen­s­tück zu Der Marsianer – Rettet Mark Watney sehen. Ridley Scotts Film zeigte ein Universum, in dem der Mensch allein ist und nur durch Denken überlebt, ein Kino der Erkenntnis, in dem selbst die spek­ta­kulären Bilder nie Selbst­zweck waren. Lord und Miller erzählen dagegen eine andere Geschichte: eine, in der der Mensch nicht mehr allein ist, in der Begegnung wichtiger ist als Isolation, in der Abenteuer und Emotionen stärker betont werden als Erkennt­nis­pro­zesse.

Als Buch­ver­fil­mung funk­tio­niert dieser Ansatz nur teilweise. Zu viel von dem, was Weirs Roman ausmacht – seine Geduld, seine intel­lek­tu­elle Präzision, seine fast liebe­volle Freude an wissen­schaft­li­chen, nerdigen Spie­le­reien geht verloren. Doch als Film, ohne die lite­ra­ri­sche Vorlage im Kopf, entsteht etwas anderes: ein großes, manchmal erstaun­lich zärt­li­ches Science-Fiction-Abenteuer, das seine Figuren ernst nimmt, auch wenn es sie gele­gent­lich mit Humor betrachtet, und das trotz seiner Länge von 156 Minuten nie lang­weilig wird. Viel­leicht liegt dann auch genau darin die eigen­tüm­liche, immer wieder schwer zu fassende Qualität dieses Films: dass er sich zwischen zwei Möglich­keiten bewegt und keine davon volls­tändig einlöst – zwischen der Robin­so­nade des Denkens und dem Spektakel des Block­bus­ters, zwischen wissen­schaft­li­cher Neugier und emotio­naler Unter­hal­tung. Ob das ein Scheitern ist oder nur eine Verschie­bung der Perspek­tive, lässt sich kaum entscheiden, mehr noch, als der Film selbst diese Entschei­dung bewusst offen zu lassen scheint.

Axel Timo Purr

• Kurzbeschreibung und Kinoprogramm München