Der Klang der Stradivari

Damit ein Quartett funktioniert, muss jeder ein bisschen falsch spielen

Grégory Magne verwandelt ein Streichquartett in ein kluges Modell unserer Gegenwart und erinnert daran, dass Harmonie nicht aus Einigkeit, sondern aus produktiver Reibung entsteht

Es gibt Sätze, die derartig ambig flimmern, dass man einen ganzen Film um sie herum erzählen könnte: »Damit ein Quartett funk­tio­niert, muss jeder ein bisschen falsch spielen.« Es ist einer dieser beiläu­figen Momente in Grégory Magnes Der Klang der Stra­di­vari, die zunächst paradox wirken und sich dann langsam entfalten. Denn natürlich geht es nicht darum, falsch zu spielen. Es geht darum, den eigenen Klang zurück­zu­nehmen, um ein gemein­sames Klangbild entstehen zu lassen. Selten hat ein Film über klas­si­sche Musik seine eigent­liche Botschaft so elegant in einem einzigen, neben­säch­li­chen Satz versteckt.

Dabei beginnt Der Klang der Stra­di­vari zunächst beinahe wie ein fran­zö­si­sches Kammer­spiel nac nur allzu bekanntem Muster. Astrid Carlson, von Valérie Donzelli mit kontrol­lierter Nervo­sität gespielt, möchte den letzten Traum ihres verstor­benen Vaters erfüllen: Vier kostbare Stra­di­vari-Instru­mente sollen für die Auffüh­rung eines eigens kompo­nierten Werkes zusam­men­ge­bracht werden. Dafür versam­melt sie die Geiger George Massaro (Mathieu Spinosi) und Peter Nicolescu (Daniel Garlitsky), die Brat­schistin Apolline Dessartre (Emma Ravier) und die Cellistin Lise Carvalho (Marie Vialle) auf einem abge­schie­denen Château. Was wie die Erfüllung eines Musi­ker­traums klingt, entwi­ckelt sich jedoch rasch zum Alptraum. Eitel­keiten prallen aufein­ander, Tempe­ra­mente ebenso, jeder besitzt seine eigene Vorstel­lung davon, wie das Werk klingen soll – und vor allem davon, wem im gemein­samen Klang die Deutungs­ho­heit gebührt.

Natürlich kennt man solche Konstel­la­tionen. Künst­ler­filme lieben Genies, die an ihrem Ego scheitern. Doch Grégory Magne inter­es­siert sich glück­li­cher­weise weniger für Exzentrik als für Kommu­ni­ka­tion. Auch der verheißungs­volle deutsche Titel (Im Original schlicht: Les musiciens) führt dabei ein wenig in die Irre. Er verspricht einen Film über legendäre Instru­mente, über ihren Klang und den beinahe reli­giösen Mythos, der Stra­di­varis umgibt. Tatsäch­lich sind die kostbaren Instru­mente vor allem ein eleganter MacGuffin: der Anlass, vier Menschen mit gegen­sätz­li­chen Biogra­fien, künst­le­ri­schen Über­zeu­gungen und Macht­an­sprüchen in einem Raum einzu­schließen. Der Titel verspricht einen Film über Instru­mente. Magne erzählt statt­dessen von Menschen.

Der eigent­liche Film beginnt deshalb erst, als der Komponist Charlie Beaumont hinzu­kommt, um das drohende Fiasko abzu­wenden. Frédéric Pierrot spielt ihn nicht als auto­ri­tären Maestro, der den Musikern endlich erklärt, wie sein Werk „richtig“ zu inter­pre­tieren sei. Im Gegenteil: Mit seinem Auftau­chen verschiebt sich die Perspek­tive. Aus einem Film über Musiker wird ein Film über Musik selbst, der fragt: Was ist überhaupt die richtige Inter­pre­ta­tion eines Werkes? Gibt es sie? Oder entsteht Musik erst im Span­nungs­feld ihrer unter­schied­li­chen Lesarten?

Magne beant­wortet diese Fragen nicht theo­re­tisch. Er lässt seine Figuren darüber spielen, streiten, zuhören und wieder von vorne beginnen. Die Partitur erscheint weniger als Geset­zes­text denn als Einladung zum Dialog. Selbst der Komponist besitzt keine endgül­tige Autorität über das Werk, sobald dieses von anderen gespielt, gehört und weiter­ge­dacht wird. Musik bleibt fluid, offen und abhängig von den Menschen, die sie für einen Augen­blick zum Klingen bringen. Ein Streich­quar­tett wird so zum poli­ti­schen Modell: Vier Menschen mit unter­schied­li­chen Vergan­gen­heiten, Tempe­ra­menten und Macht­an­sprüchen müssen sich auf etwas Gemein­sames vers­tän­digen, ohne ihre Indi­vi­dua­lität aufzu­geben. Musik erscheint dabei beinahe als die zivi­li­sier­teste Form der Politik. Nicht weil alle einer Meinung wären, sondern weil jeder bereit sein muss, dem anderen zuzuhören.

Zugleich vertei­digt Der Klang der Stra­di­vari damit eine Kunstform, die unserer Gegenwart beinahe fremd geworden ist: das Ensemble. Die mediale Gesell­schaft feiert Solisten, Influencer, Alpha­per­sön­lich­keiten und Genies, die möglichst laut und unver­wech­selbar ihre eigene Marke behaupten. Ein Quartett funk­tio­niert dagegen nur, wenn niemand dauerhaft im Mittel­punkt steht. Jeder muss führen können, aber ebenso bereit sein, sich zurück­zu­nehmen. Wer ständig Recht behalten möchte, zerstört das gemein­same Werk. Gerade in einer Zeit, in der Debatten zunehmend nach dem Prinzip maximaler Laut­stärke geführt werden, wirkt diese Idee fast schon revo­lu­ti­onär.

Überhaupt über­rascht der Film dort, wo man es am wenigsten erwartet. Ich wollte ihn ursprüng­lich gar nicht sehen: Ein Film über Stra­di­varis, Proben­dis­zi­plin und klas­si­sche Musik? Das klingt eher nach gedie­genem Kultur­fern­sehen als nach Kino. Doch Der Klang der Stra­di­vari besitzt eine Leich­tig­keit, die man diesem Stoff kaum zutrauen würde. Die Musik wird nie museal behandelt. Sie bleibt lebendig, wider­sprüch­lich und offen.

Den viel­leicht schönsten Moment findet der Film deshalb ausge­rechnet dort, wo plötzlich keine klas­si­sche Musik mehr erklingt. Als der Strom ausfällt, verschwinden für einen kurzen Augen­blick Hier­ar­chien, Perfek­ti­ons­an­spruch und die Ehrfurcht vor dem großen Werk. Statt­dessen beginnen die Musiker gemeinsam den ameri­ka­ni­schen Folksong In the Pines zu spielen, vielen eher in der groß­ar­tigen unplugged Nirvana-Version unter dem Titel Where Did You Sleep Last Night? bekannt: „My girl, my girl, where will you go?“

Das gilt natürlich nicht nur für irgendein »Girl«, sondern auch für die Musik. Für einen Moment begegnen sich Klassik und Pop, Hoch­kultur und Folk, Stra­di­vari und Lager­feuer. Es ist eine wunderbar beiläu­fige Szene, gerade weil sie zeigt, dass Musik immer größer ist als ihre Kate­go­rien. Plötzlich spielen die Musiker nicht mehr gegen­ein­ander und auch nicht für ein imaginäres Publikum. Sie spielen mitein­ander.

Magne erzählt das bemer­kens­wert unprä­ten­tiös. Er muss seine Figuren nicht psycho­lo­gisch über­frachten, um ihre Konflikte vers­tänd­lich zu machen. Vieles bleibt ange­deutet, manches unaus­ge­spro­chen. Gerade dadurch entsteht jener Raum, den gute Musik ebenfalls braucht: Pausen.

Valérie Donzelli hält das Ensemble mit ange­nehmer Zurück­hal­tung zusammen. Noch beein­dru­ckender ist aller­dings die Chemie des Quartetts. Man glaubt diesen Menschen jederzeit, dass sie Musiker sind. Auch deshalb, weil mehrere Darsteller tatsäch­lich profes­sio­nelle Instru­men­ta­listen sind und der Film den musi­ka­li­schen Szenen die nötige Zeit lässt, anstatt sie hektisch wegzu­mon­tieren. Die Kamera beob­achtet Blicke, Körper­hal­tungen, Atemzüge und kleinste Verschie­bungen der Aufmerk­sam­keit. Vers­tän­di­gung beginnt hier oft lange vor dem ersten gespro­chenen Wort.

Der Klang der Stra­di­vari ist deshalb weit mehr als ein Film für Liebhaber klas­si­scher Musik. Er ist eine kluge Reflexion darüber, wie Vers­tän­di­gung überhaupt entstehen kann: nicht durch Einstim­mig­keit, nicht dadurch, dass einer gewinnt, sondern indem alle bereit sind, ihren eigenen Ton so weit zurück­zu­nehmen, dass etwas Neues entstehen kann. Und viel­leicht ist das die schönste Erkenntnis dieses über­ra­schend klugen Films. Während unsere Gegenwart den Solisten feiert, vertei­digt er das Ensemble. Und erinnert uns daran, was eine laute, digitale Gesell­schaft zunehmend verlernt: Zuhören ist nicht das Gegenteil von Selbst­be­haup­tung. Es ist manchmal ihre höchste Form.

Axel Timo Purr

• Kurzbeschreibung und Kinoprogramm München